Confluence Sangam, exposición en Heidelberg.

›Confluence Sangam संगम‹

Nadira Husain, ganadora del Premio WERK.STOFF de Pintura de la Fundación Cultural Andreas Felger y la Asociación de Arte de Heidelberg, invita a los artistas Amina Ahmed y Varunika Saraf a una exposición conjunta.

 

Las palabras Confluence, Sangam / संगम describen en inglés y en hindi el momento en que varias corrientes de diferentes direcciones se encuentran, fluyen juntas y crean un camino juntos. La práctica artística de Nadira Husain se caracteriza por la confluencia de diferentes mundos visuales culturales. Nadira Husain se basa en sus propias experiencias de vida cuando las miniaturas de Moghul se encuentran con cómics en sus coloridas obras, o deidades hindúes, criaturas míticas antiguas y babilónicas se entrelazan con cuerpos femeninos. Como hija de una india y una francesa, Nadira Husain creció en París y ha vivido en Berlín por algún tiempo. Husain no solo usa lienzos, sino también otros sustratos textiles y técnicas artesanales tradicionales, que realiza en cooperación con varios artesanos, entre otras cosas, para diseñar mundos visuales transculturales del siglo XXI.

La exposición ›Confluence Sangam संगम‹ es una expresión de esta actitud artística. Con Amina Ahmed y Varunika Saraf, Nadira Husain y el Heidelberger Kunstverein han invitado a otros dos artistas con raíces indias. Sus hojas de vida también están formadas por las experiencias de migración. Tratan las experiencias transculturales de diferentes maneras. Varunika Saraf utiliza la técnica de papel Wasli de la pintura mogol para inscribirse en la historia del arte y documentar el movimiento de protesta indio actual. Su trabajo se mostrará por primera vez en Europa. Amina Ahmed, que vive en Uganda, Gran Bretaña, Irán y ahora en los Estados Unidos, recurre a las formas geométricas básicas, que para ella no significan abstracción, sino más bien una expresión viva de la tradición pictórica de diferentes culturas. Su trabajo se mostrará en Alemania por primera vez.

Las obras de los artistas son el resultado de numerosos cruces. Diferentes puntos de partida son un requisito previo para su contacto, para siempre nuevas intersecciones. Tal comprensión de la transculturalidad va en contra de la idea de unidades culturales homogéneas, claramente diferenciadas y en conflicto. Insistir en identidades híbridas es un desafío importante en nuestra era global, en la cual las culturas están particularmente expuestas a procesos dinámicos y complejos, pero también fortalecen las fronteras nacionales.

 

Se publicará una monografía de Nadira Husain para la exposición.

Con el amable apoyo del Museo de Artes Aplicadas de Viena y el Institut français Deutschland, en cooperación con el Centro de Estudios Transculturales de Heidelberg en la Universidad de Heidelberg, la Universidad de Educación Docente de Heidelberg y la Semana Francesa de Heidelberg.

Como parte del programa JEUNES COMMISSAIRES de la Bureau des arts plastiques del Institut français Germany, con el apoyo del Ministerio de Cultura francés y el Servicio de la juventud franco-alemana.

 

---

Artistas: 

 

Nadira Husain:  se

describe a sí misma y a su práctica pictórica como ›bâtarde‹ (francés, forma femenina de bastardo), aludiendo a las referencias culturales híbridas que se encuentran fuera de los hábitos visuales del área cultural eurocéntrica. Como hija de una india y una francesa, la artista se ha enfrentado a diferentes identidades desde la infancia. Sus imágenes de gran formato y objetos textiles recurren a diferentes tradiciones y, por lo tanto, crean una coexistencia asociativa de diferentes símbolos y figuras icónicas del arte y la historia cultural india, europea e islámica de diferentes épocas. En sus imágenes, las miniaturas de Mughal se encuentran con deidades indias y figuras de una cultura pop globalizada. Los cuerpos híbridos se entrelazan, generan patrones y forman formas antropomórficas o animales. Husain utiliza artesanías tradicionales indias como Kalamkari o la técnica de tejido Ikat, que está muy extendida en el sudeste asiático, o coopera con el sastre Mohebullah Nouri para diseñar una de sus series textiles hechas de mezclilla. La coexistencia de las diferentes criaturas, estilos, pero también actores y técnicas, deconstruye el orden de los modernos signos y sistemas de poder de estilo occidental. De esta manera, el artista establece una polifonía de diversas influencias sin jerarquía, lo que crea nuevos patrones de significado más allá de las imágenes normativas.

 

Nadira Husain (* 1980 en París) vive y trabaja en Berlín, París e Hyderabad. Estudió en la Ecole nationale supérieure des beaux-arts Paris y en la Universidad de British Columbia en Vancouver. Desde 2017 es la mentora de la * FoundationClass de la Academia de Arte Weissensee de Berlín. Las obras de Husain se han exhibido internacionalmente en exposiciones individuales, incluso en la Galería Tobias Erning en Leipzig (2019), la Villa du parc centre d'art contemporain Annemasse (2018), Armory Show New York (2018) y PSM Gallery Berlin (2018), así como en exposiciones colectivas, incluso en Haus am Lützowplatz (2019), en nbk (2018), Sculpture Triennale Bingen (2017), en el Museo Judío de Nueva York (2014) y en el KW Institute for Contemporary Art (2013).

 

 

Amina Ahmed

Amina Ahmed muestra sus obras por primera vez en Alemania y, por lo tanto, ofrece una visión íntima de sus cuadernos de bocetos inéditos. Cuando era niña, experimentó el exilio de su familia de Uganda por el dictador Idi Amin, luego creció en Inglaterra, luego vivió en Irán y ahora en los Estados Unidos. La experiencia del éxodo que experimentó Ahmed, así como la experiencia de su madre, cuya familia fue exiliada de Uzbekistán y establecida en el distrito de Kachchh, configuran el trabajo artístico de Ahmed tanto como su cercanía al sufismo, una corriente del Islam. Las formas geométricas en sus collages, acuarelas, dibujos y bordados no son abstracciones, sino que reflejan la práctica concreta de las técnicas artesanales. Amina Ahmed percibe los patrones geométricos, que utilizan las mujeres en el trabajo textil en muchas culturas, como un lenguaje casi universal que tiene una referencia concreta a su propia fisicalidad. Con el video ›las manos de la madre‹ ella describe la transmisión del patrimonio cultural entre las generaciones. El legado nómada de Amina Ahmed le dio acceso a diferentes culturas. Con sus obras hace referencia a las formas de transferencia de conocimiento y a la apropiación y producción basadas en procesos del patrimonio cultural, especialmente en el contexto del exilio y la curación de los traumas asociados con él.

 

Amina Ahmed (* 1964 en Busembatia, Uganda) trabaja en la ciudad de Nueva York. Estudió en la Winchester School of Art, la Chelsea School of Art y se graduó en el Royal College of Art de Londres. Su trabajo ha sido presentado internacionalmente en exposiciones colectivas, incluso en el Centro Arnolfini de Arte Contemporáneo de Bristol (2019), en 601Artspace New York (2019), en el Dr. Bhau Daji Lad Museum Mumbai (2018), en el showroom de Londres (2018) y durante Frieze NYC con Jhaveri Contemporary (2020).

 

Varunika Saraf

La artista e historiadora de arte Varunika Saraf vive y trabaja en Hyderabad. Sus obras se exhibirán por primera vez en Europa. La comprensión de la artista, que creció en Hyderabad, de su propia identidad, así como la de su país, está moldeada por la experiencia migratoria de su familia dentro de la India después de la división en 1947 y la historia del sur de Asia. Su percepción de la identidad como un proceso constante y diálogo con el pasado también resuena en sus obras. Su práctica se caracteriza por la pintura en miniatura de Mughal, cuyas obras de arte no solo la motivaron a estudiar arte, sino también a investigar la historia del arte. Como base de sus dibujos en acuarela, usa papeles wasli, que se hacen tradicionalmente para la pintura en miniatura de Mughal. Al mismo tiempo, utiliza pigmentos de color de tradición europea para referirse a la hibridación histórica de la pintura en miniatura india y no caer en los estereotipos nacionales. La serie ›Caput Mortuum‹ * está dedicada a los movimientos de protesta indios actuales.

(* lat. cráneo, también para el pigmento de color morado oscuro, mineral y que contiene hierro)

 

Varunika Saraf (* 1981) vive y trabaja en Hyderabad, India. Tiene un BFA en pintura del JNTU College of Fine Arts and Architecture, Hyderabad (2004), un MFA en pintura de la Sarojini Naidu School of Fine Arts and Communications, University of Hyderabad (2006), y un MPhil de la School of Arts y Estética, JNU. En la Escuela de Artes y Estética, JNU, hizo su doctorado en ›Recuerdos, falsificaciones y patrimonio cultural: La fabricación de la miniatura india‹. Las obras de Saraf se han exhibido internacionalmente en exposiciones colectivas, incluso en Art Basel (2018), el Goethe-Institut New Delhi (2018) y el Asian Art Museum San Francisco (2012).

 

 Queridos amigos, ayer 12 de Julio 2020, visité la exposición. Me impresionó el colorido, y las diferentes técnicas. El resultado, una forma llamativa e impactante , una pequeña muestra del arte de autores procedentes de Uganda y la India. Aquí un pequeño video con fotografías de mi visita a la exposición.

Texto traducido: Texto original: @ Heidelberger Kulturverein.

@ Berta Martín de la Parte.